El martes pasado (si, un martes) se presentó por primera vez Skism en Argentina o como me gusta llamarlo: el Tom Morello de la música electrónica solo por el hecho de que son iguales. Para quienes nos gusta el dubstep, drumstep y/o todo subgénero de la música electrónica que termine en step , la llegada de este dj/productor inglés era algo importante, podría ser una de las noches más geniales del año o la mayor desilusión.  Si desean conocer la respuesta a esta pregunta les aconsejo seguir leyendo.

La presentación se hizo bajo el marco de la fiesta Hype, quienes habían prometido que esa noche Skism daría un show exclusivo mezclando el compilado anual de Never Say Die Vol .2 (Never Say Die es su sello discográfico) lo que fue un punto en contra para todo el evento. No solo no grabó un set exclusivo, ni siquiera usó canciones de dicho álbum. Hubiese estado buenos escuchar canciones como Mind Control de Zomboy. En lugar de eso hizo un set bastante parecido al de Lowlands, el cual se encuentra para escuchar online en su cuenta de Soundcloud (si nunca escucharon a Skism, se los recomiendo).  En lo personal me gustó este cambio, ya que uso grande canciones vuela cerebros como Scary Bolly Dub (Skirllex), el remix Sunlight de Modestep que hizo Zomboy o la intro de Killing in the Name of (RATM) mezclada con Robot Rock (Daft Punk) y Block Rocking Beats (The Chemical borthers).  
Si bien las canciones en un set son importantes lo particular de Skism es verlo mezclar con cuatro bandejas. Posiblemente para muchos esto no sea un mérito pero esa clase de gente se habrá aburrido de leer en la mitad del post por lo tanto voy a seguir escribiendo para quienes piensan que mezclar con más de dos bandejas es groso. Como decía, no solo es un tipo pasando música, realmente hace creaciones en el momento y sabe cómo llevar una fiesta adelante. Maneja el clima de manera excelente, sabe cuando pasar de los bajos furiosos a la melodía más tranquila, cuando poner guitarras reales en el medio de un tema, en qué momento agregar raperos  donde no los había (como cuando mezcló Bonfire de Knife Party con Sabotage de Beasty boys, un momento épico ).

Eso es en lo que respecta al artista, el lugar fue un verdadero fiasco, si bien estaba muy limpio y el sonido no era malo (aunque podría haber sido un poco más alto el volumen), la gente de seguridad no está familiarizada con este tipo de eventos. Está comprobado que cuando la música es violenta la gente tiende a hacer cosas que en su momento parecen buena idea pero luego resultan no serlo, como subirse arriba de alguien mientras el resto de las personas se empujan violentamente. El personal de seguridad no estaba enterado de este detalle por eso enviaron a uno de sus mejores agentes a detener este acto atroz, el pobre oficial murió o eso creo, la gente siguió haciendo quilombo pero a él no lo vi más.

En resumen, Skism es tan groso como creíamos, sacando que era martes y llovía demasiado el día fue el indicado para esta fiesta, el precio de la entrada fue muy barato ($50 antes de las 01:00 am y $80 después), lo único malo fue el lugar no me pareció apropiado para ese tipo de eventos.

En estos días habrán visto a la ex novia, o actual novia ya me perdí, de Andrés Calamaro paseando por todos los canales de televisión contando como es acosada por dicho artista mediante Twitter. Esta situación derivó en una especie de debate en el cual se planteaba que las mejores canciones fueron escritas desde emociones negativas tales como la tristeza o la ira.
Personalmente creo que esta afirmación es estúpida, ya que por lo general la música suele acompañar el estado de ánimo del receptor. Entonces una canción puede ser genial independientemente del estado anímico de su compositor.
Como la gente en Internet suele ser desconfiada decidí armar el siguiente top 5 con canciones “no triste”. Debo aclarar que no incluí canciones pop fiesteras porque eso sería muy fácil.

5) Modestep – Feel Good.

 En líneas generales Feel Good, es una canción que trata de la conexión que sienten los músicos con su público. Esta temática fue explotada por miles de artistas pero lo que me gustó de Feel Good es el siguiente verso:

“Making the real music that
 May not be everyone’s taste”

 “Haciendo verdadera música que
posiblemente no sea la que les guste a todos”.

La música termina siendo buena siempre y cuando un grupo de gente lo crea así. Qué manera tan genial y a su vez humilde de defender sus propias creaciones.

4) Motorhead – Ace of Spades

 Nunca fui una persona apostadora pero Ace of Spades me da ganas de serlo. Gracias al poder de esta legendaria banda del metal, hard rock o como quieran llamarlo, podemos sentir la adrenalina de ser un ludópata sin perder nuestra casa o todos nuestros bienes en el proceso.

3) Beastie Boys – Sabotage

 Mirando el video o solo por el título se pueden dar una idea de cual es la temática central de la canción. Incluí Sabotage como ejemplo de cómo las canciones pueden ser utilizadas solo para crear ficciones y/o contar historias. El arte no es solo un canto a las emociones.

2) Iggy Pop and the Stooges – The Passenger

 Esta canción siempre me dio ganas de ser mochilero y viajar por todo el mundo. Si no fuese un completo inútil lo haría. Por el momento me conformo escuchando las historias de Iggy.

1) Incubus – Wish you were here.

 Simplemente esta debe ser la mejor canción de amor escrita hasta el momento. En ella Brandon Boyd nos cuenta que se encuentra en una playa pasándola de lo más bien, siendo uno de los hombres felices del mundo. Aun así desea que su amada/o o amigo/a (nunca dice a quien está dedicada) esté con él. Mientras otros cantautores solo se acuerdan de su novia cuando los dejó o le dicen cuanto la necesitan desesperadamente para que cure su dolor, Brandon la o lo invita a compartir este momento tan feliz de su vida. Será por eso que él no necesita hacer una campaña por Twitter para recuperar a su novia.

Antes de escuchar este disco o leer el siguiente post deben saber un poco de historia. Luego de grabar el disco Brand New Eyes, los hermanos Farro abandonaron la banda. Otro dado importante Hayley sale con Chad Gilbert, guitarrista de New Found Glory. Luego de esta serie de datos aparentemente innecesarios puede escuchare el disco o leer el post.

Fast in my Car

A juzgar por la tapa y  la primer canción es como si no hubiesen querido que escuchemos el disco. En la tapa solo se ven a los 3 integrantes de Paramore pintados como si hubiesen chocado contra un arco iris. Ni siquiera se gastaron en poner el nombre de la banda en la tapa.Dejando eso de lado, Fast in my Car es muy pobre. Empieza con una batería que apenas parece real, dejando en evidencia la ausencia del ex baterista..
La letra está un poco confusa, habla de tres personas a quienes fueron traicionadas por dos personas las cuales abandonaron el “auto”. Ahora deberán ir en el “auto” de Hayley ya que su “auto” es más rápido y está mejor organizado.

Now.

Por razones desconocidas esta canción está después de Fast in my Car. Now representa bastante bien lo que es el disco en general, canciones bastante pop pero a su vez con un toque bien rockero.
En cuanto a la letra, muchos mal pensados dicen que es un mensaje a los hermanos Farro, para mi habla de The Walking Dead:

“Feel like waking from the dead,
And everyone`s been waiting for me…”

“Sintiendome como despertandome de la muerte,
y todos están esperando por mi…”

Claramente es una referencia al primer capítulo de The Walking Dead cuando Rick despierta del coma.

Grow Up.

¿Extrañaban el pop/rock de los 90s? No se preocupen Paramore lo trajo de vuelta en este último disco.  Tiene todo, una batería electrónica colgada, sintetizadores genéricos y un estribillo completamente pegadizo. Me gusta que haya decidido explorar un estilo de música que habíamos sepultado hace un par de décadas. Esto demuestra que los integrantes de Paramore intentan ser creativos en cada canción.  
Muchos paranoicos en internet piensan que cuando Hayley dice “algunos debemos madurar” está hablando de los hermanos Farro, pero no creo que sea así, sería estúpido dedicarles tres canciones seguidas.

Daydreaming.

Daydreaming es una de mis canciones favoritas del disco. Tiene un aire a Tonight Tonight de The Smashing Pumpkins pero con guitarras más distorsionadas y menos cuerdas. Me gusta que la letra no sea tan autorreferencial como las anteriores. Básicamente trata de soñar despierto en el mundo actual.

Interlude: Moving On.

Este disco cuenta con tres mini canciones donde Hayley canta acompañada solo con un ukelele. El primero habla de seguir adelante, a pesar de las trabas que pongan los demás.  No sé a que estará haciendo referencia.

Ain’t fun.

Esta canción es muy rara. Es un pedazo de los 90s en el año 2013. Para que se den una idea incluye un coro góspel. No hay cosa más noventosa que un coro góspel en una canción pop. La transición entre la parte del coro y la parte más rockera es muy buena. Aun así el negro que grita en el coro me hace acordar al tipo que canta en Birdemic y no puedo evitar reírme.

Part II

Si esta es la primera vez que agarra un disco de Paramore se estarán preguntando dónde está la primera parte.  Ella se encuentra en el disco Riot! Y se llama Let The Flame Begins. Por algún motivo decidieron reversionarla cambiándole la letra y los arreglos de guitarra que había aportado Josh Farro.  Ni se les ocurra pensar que la letra es una excusa para criticar a los hermanos Farro, eso sería estúpido.
Si bien la Part II es muy buena me quedo con Let the Flame Begins porque en esa tocan Josh y Zac, lo mejor que tenía Paramore desde mi punto de vista.  Además esta versión incluye unos sintetizadores medio pobres.

Last Hope.

El primer tema tranquilo de todo el disco y sin dudas uno de los mejores.  La letra habla de seguir adelante a pesar de todo. El hecho de que los instrumentos se vayan sumando de a poco mientras Hayley canta la hace aun más emotiva.  En vivo seguramente la gente llore con esta canción.

Still into you.

La primera canción dedicada a Chad, (guitarrista de Hazen Street). Es tan cursi y dulce que casi me convierto en diabético por escucharla.  De todas las canciones amorosas de Paramore esta es la más infantil y si les parece estúpida no se priven de ver el video. 

Anklebiter.

Otro tema bien de los 90s pero con un toque semi hardcore.  Me gusta el coro de gritos que agregaron, suena como la mezcla entre Katrina and the Waves con Madball.

Interlude: Holiday.

Otro interlue dedicado a dos personas que pueden ser cualquiera, no vayan a pensar que son los hermanos Farro.

Proof.

Otra canción para Chad (novio de hayley y amigo del cantante de Madball). A diferencia de Still in to you, esta tiene parece haber sido hecha por adultos. Demostrando que Hayley es una mujer enamorada de uno de los tipos más hardcore del planeta.

Hate to see your heart breake.

Otra canción de amor, estoy completamente sorprendido. Parece un track que No Doubt se negó a grabar por ser muy de los 90s. La canción más aburrida de todo el disco y no hay mucho para decir.

(One of Those) Crazy Girls.

Si tenían ganas de escuchar a Paramore haciendo surf rock o surf pop escuchen esta canción. Me gusta que hayan probado distintos estilos sin perder su esencia.

Interlude: I’m not angry anymore.

Después de catorce canciones Hayley no está más enojada. Celebremos todos con una canción como por ejemplo Be Alone.

Be Alone.

La canción más poderosa de todo el disco y a su vez la más genial. Lo mejor de todo es que Hayley Williams está invitando a alguien a su casa, mientras todos están de joda. Literalmente dice “todos salieron y podríamos estar solos”. Por primera vez en la historia de Paramore Hayley está diciendo cosas atrevidas en una canción. En lugar de llorar como Taylor Swift en soledad ella aprovecha su soledad para tener sexo y utiliza una canción muy punk para hacerlo. Aplaudo de pie a Hayley Williams mientras escucho.

Future.

Si bien el comienzo del disco fue horrible, el final es lo opuesto, Future empieza solo con hayley acompañada de una guitarra. Luego se suma el resto de la banda creando una atmosfera completamente psicodélica y rockera.

En resumen, Es un gran disco, lo habré escuchado varias veces sin aburrirme, además contiene canciones muy buenas como Future o Daydreaming.  Mi único problema son las letras, en gran parte están dedicadas a los hermanos Farro, por eso es medio difícil sentirse conectado emocionalmente con letras dedicadas a personas que apenas conocemos. En disco anteriores casi todas las letras estaban relacionadas con la experiencia personal de la cantante pero eran acerca de crecer o hechos de la vida en general.
Si nunca escucharon Paramore no les recomiendo este disco, al parecer no intentaban atraer nuevo público como Riot! o Brand New Eyes, por lo tanto hay menos canciones comerciales. Si son fans de Paramore o simplemente les gusta la banda tendrán un álbum para acompañar el 2013.

Por mucho tiempo me pregunté a dónde van los hipsters para divertirse, al parecer van a ver bandas como Foals, si les interesa saber porque eligen este tipo de eventos les aconsejo seguir leyendo.

Por si no conocen a Foals, debería intentar describir que estilos hace, aunque para eso está el sumplento Si! Solo voy a decir en vivo son una mezcla entre Radiohead, Vampire Weekend y Rage Against The Machine, si dije Rage Against The Machine. Tal vez quien los haya escuchado de pasada  por youtube vio en Foals una banda digna de dedicarle más atención, ya que en un principio pueden parecer una banda más del montón, si ese es el caso deberían hacer el ejercicio de buscar más canciones, es una banda tan versátil que seguramente encuentren un tema volador de cabezas para agregar a su Ipod o reproductor de mp3.

El show empezó puntual a las 23 horas, un horario un tanto inusual teniendo en cuenta que era un martes. Las luces se apagaron y comenzó a sonar  la introducción más extraña que escuché para un recital, era como si le hubiesen dicho a Hitchcock una Mac para que arme una intro. Después de empezaron a interpretar Prelude, la canción que abre Holy Fire, su último trabajo discográfico.  Posiblemente se pregunten por qué la necesidad de dos introducciones, hay dos respuestas posibles: a) son unos truchos y robaron con dos introducciones b) son tan geniales que una introducción no es sufienciente. Obviamente la respuesta correcta es la b.
Si bien todos son músicos increíbles creo que esa noche Yannis  marcó la diferencia, no por sus habilidades como guitarrista y/o cantante, más bien por su roll de showman. En un momento terminó un solo de guitarra haciendo stage diving (el solo le salió mal por si preguntan) y la última canción la tocó parado sobre la barra del teatro Vorterix, claro que este último detalle fue completamente innecesario pero genial a la vez.
Dejando de lado la parte más deportiva del espectáculo, si hablamos de ellos cómo músicos hay muchas más cosas para destacar. En su visita anterior dieron un show mucho más tranquilo, posiblemente hayan estado bajo el efecto de otras… gaseosas, si, gaseosas. Esta vez agregaron finales violentos en casi todas las canciones, haciendo una presentación muchos más poderosa. Canciones como Miami terminaban sonando como una versión fiestera de RATM.  Tampoco faltaron  pequeñas improvisaciones en el final de algunas canciones haciendo el recital aun más interesante.
La lista de temas cubrió casi toda su discografía, más allá de tener solo tres discos se podrían haber centrado en el último pero no fue así. No faltaron los hits como Spanish Sahara, Res Sock Pugie o Olympic Airwaves  y del último disco eligieron los mejores temas a mi parece.
En líneas generales fue un recital increíble. Tuvo buena música, tipos que se divierten en el escenario y luces locas para acompañar los dos componentes anterios, olvidé de mencionar antes lo de las luces pero lo hago ahora. Con respecto a la pregunta inicial, los hipsters  escuchan Foals por ser una banda genial sin mucha popularidad. Debe ser un honor para un hipster poder escuchan músicos realmente geniales que por esas cosas de la vida no se convirtieron en mainstream.

La llegada del nuevo papa argentino ha producido un gran revuelo tanto en las redes sociales como en las redes sociales de carne y hueso. Hay quienes se inflan el pecho al grito de “el papa es argentino cómo yo”. También están los que se ven ofendidos por el “pasado” conservador del ex cardenal Bergoglio, cómo si la iglesia católica fuese a elegir a un cura copado para presidir la organización más conservadora de la historia de la humanidad ¿A quién esperaba? ¿Al padre Farinello?
Por último un grupo de personas, un tanto paranoicas para mí, quienes temen que Francisco I (o Bergoglio) sea para la unidad latinoamericana  lo que fue Juan Pablo segundo para el comunismo. Podría llegar a ser cierto esto, históricamente la iglesia estuvo en varias cosas raras. Posiblemente el papa latino tenga más que ver con una estrategia para recuperar fieles que para tomar control por sobre los gobiernos populistas.

A todo esto nadie se percató de lo siguiente, en la serie animada South Park se ha vuelto costumbre burlarse de el papa, por lo tanto en el caso de que hagan un chiste donde se involucre al catolicismo y a la pedofilia nuestro flamante papa será el primer argentino que tenga el honor de aparecer en una de las series animadas más graciosa de todo los tiempos. Felicitaciones Bergoglio.

En el capítulo anterior de Deafpoliceman.tumblr.com:

 “El autor del blog vió en Facebook que el cantante de Tan Biónica le declaró la guerra al rock nacional, dado que ellos son considerados la esperanza del rock (según algunos medios). Por lo tanto el CEO de Deafpoliceman (o sea yo) decidió compara Crua Chan de Sumo con un Obsesionario (el último disco de Tan Biónica).” 

Sin más vueltas Obsesionario de Tan Biónica:

 Ella

 Esta brillante obra maestra del rock nacional empieza con una de las canciones más originales del planeta. Dicha pieza se llama “Ella”, como podrán deducir por el título está dedicada a una mujer la cual es la dueña de su corazón. Algo novedoso para época.

En general la canción es aburrida para mí pero entiendo como a alguien puede llegar a gustarle, es un hit común con un estribillo pegadizo y potente para lo que es la música pop.

 

Beautiful

 He notado que las bandas argentinas sufren del síndrome de la metáfora sin sentido. Cuando todo artista normal utiliza una metáfora para decir algo de manera poética, la gran mayoría de los músicos argentinos las utilizan para volver boludo al oyente.  

Tomemos un ejemplo:

 Ella dice Beautiful
Suena como liberta.

 Primero, la palabra Beautiful no suena como libertad, suena como Beatiful o “biutiful”. Segundo, en el caso que la traducción de la palabra Beautiful suene a libertad no tiene sentido. El idioma inglés ha sido la representación del imperio y la globalización, por lo tanto la introducción del idioma inglés dentro de nuestra cultura es una muestra de opresión y no de libertad, por lo tanto la palabra Beatiful suena como imperio y no como libertad.
Más allá de ese análisis innecesario la premisa de la canción es igual a la anterior, solo usa la palabra Beautiful porque ya usaron “ella”.
  

En La Mayor.

 Si analizamos la parte musical tenemos una buena canción pop para una banda, hasta tiene un piano para poder aparentar que son músicos grosos. El problema como siempre es la letra. Nuevamente usan la técnica de usar metáforas seguido por más metáforas, por lo tanto no puedo formar una imagen mental en mi cabeza o sentir algo por la canción.

Posiblemente el título sea una referencia a Cortazar o realmente pensaron que esa era una palabra, habrá que preguntarle a Chano.

Loca.

Para resumir, le gusta una mujer de manera irracional porque ella es muy especial como en las otras tres canciones lo interesante es que hacía el final de la canción termina diciendo “Loca no entendés nada de vivir”. Frase utilizada por Tommy Wiseau cuando le dice a Lisa “No entiendes nada de la vida” luego del famoso “You are tearing me apart Lisa”. A eso llegamos Tan Bionica, la mejor banda de rock de nuestra generación está citando a The Room.

El Duelo.

 Comienza con una batería electrónica porque son una banda tan rockera que reemplazaron la batería de verdad por un sonido midi genérico.

La letra habla de un duelo pero en el sentido más psicoanálitico de la palabra. Lo que los muchachos de Tan Biónica no entendieron es que si la letra es triste la música también debe serlo. Es como si “Vení Raquel” de Los Auténticos Decadentes estuviese dedicado a alguien que falleció.

Dominguicidio.

Se dieron el lujo de inventar una palabra para una canción intrascendente, unos verdaderos genios del rock nacional, quemen sus discos de Sumo y reemplácenlos por los de Tan Biónica.

Pastillas del Olvido.

En este punto se están se están burlando de nosotros, la mitad de las canciones hablan de un amor fantástico y la otra mitad de una ruptura. El disco debería llamarse “Cómo decir lo mismo 40 veces con distintas metáforas”. Escuchen cualquier disco normal y van a ver como las canciones tratan distintas temáticas.

La Suerte Está Echada.

Chano, nuestro Kurt Cobain (según él), compuso otra canción describiendo cuan complicadas son las relaciones amorosas. Admiro su capacidad para decir siempre lo mismo con distinta metáfora. Sin embargo lo más loco de todo son los dos primeros versos:

“Dicen que para olvidarte
Tengo que viajar a Marte”

Por qué no toma una pastillas de la canción anterior y se olvida.

La Comunidad.

Un tema “Dance” es un disco de la mejor banda de rock ¡No puedo creerlo!

Esta vez hicieron un tema bailable para describir una fiesta aunque con cierta mirada crítica. 

Perdida.

Si todas las canciones hablan de amor y fiestas la vida de Chano (nuestro Bob Dylan) debe hacer estado llena de aventuras.
Me llama la atención de la influencia psicoanalítica en la obra de Tan Biónica. Con ese dato puedo deducir que si Chano no está de fiesta o llorando por alguna chica está en terapia.

El Color del Ayer.

¿Por qué nuestros cantautores nos torturan con metáforas sin sentido? No solo Tan Bionica, toda banda de “rock nacional” usa esta técnica.

“Esta mañana tiene el color del ayer”

¿Qué carajo significa eso? Ni siquiera sé cuál sería el color de hoy, supongo que estaría lloviendo o algo.

Pétalos.

Creo que pétalos es la mejor canción de todo el disco, tiene buenos arreglos y una melodía interesante. Lástima que chano apenas puede hablar en español y mucho menos afinar.

Para darle un final a esta cruzada de chano en contra del rock solo queda nombrar al ganador. Sumo, está claro esto.
Tan Bionica Intenta hacer música divertida y comercial pero a su vez las letras pretenden tener un tinte intelectual que solo resulta fuera de lugar. Es como Miranda haciendo canciones con poemas de Borges, nunca va a resultar. De a ratos parece como si chano llegara a los ensayos con una poesía e intentara incrustarla sea como sea para no dejar afuera nada de su creatividad afuera.

Dejo mi blog por unos días y pasan cosas raras. Tal vez se hayan enterado que Chano (cantante de Tan Biónica) dijo representar a una generación pensante que piensa y no tira bengalas, lo cual hizo enojar a un grupo de personas. Mi problema es que nunca tiré bengalas y no me siento representado por este señor con apodo extraño.
Mientras investigaba sobre el origen de esa curiosa frase me enteré que Tan Biónica es conocida como la banda que se puso el rock nacional al hombro pero no solo eso, también se dieron el lujo de desmerecer bandas históricas del rock. Por eso decidí poner a prueba esta afirmación comparando un disco entero de dicha banda con una canción de Sumo. Supongo que 10 canciones de la mejor banda de rock actual podrán ganarle a una de la generación poco pensante y bengalera. Sin más vueltas, analicemos Crua Chan de Sumo.

Crua Chan – Sumo

 Esta canción es épica desde el principio. Empieza con una guitarra emulando el sonido de una gaita y un redoblante militar ¿Se les ocurre algo más genial para una intro?
Más tarde se suma el resto de la banda con Luca Prodan gritando como si fuese un soldado Escocés arengando a su tropa. Esto nos lleva a la mejor parte de la canción para mi, el estribillo:

Fee fi fo fum,
I smell the blood of a Englishman,
fee fi fo fum,
come on London, here we come.

Fee fi fo fum,
Huelo la sangre de un inglés
fee fi fo fum,
vamos Londres, ahí vamos

Les aconsejo escuchar Crua Chan si nunca lo hicieron o si no le prestaron la atención que merece haganlo, no se van a arrepentir. Realmente los transporta a un campo de batalla del 1600. Muy pocas bandas de rock pueden generar esa clase sensaciones sin dejar de ser rock. De alguna forma se las arreglaron para armar una base rockera bien sólida entre el aplanador bajo de Arnedo y la batería de Superman (creo que estaba él en ese momento).
No me gustaría terminar sin resaltar cuan grande era Luca Prodan haciendo letras, mientras muchos intentan demostrar lo intelectuales que son porque leyeron a Borges y pueden meter metáforas en las canciones, Luca se preocupaba por hacer arte, no es casual que haya elegido Crua Chan para reflejar su capacidad para componer, él era capaz de generar lo mismo que una película en 2 minutos de canción.
En pocas palabras, esta canción es genial, Sumo era genial y sus músicos hasta el día de hoy siguen creando cosas dignas de escuchar.  Cualquiera que no entienda a Sumo o no se interese por ellos me da lástima.

Con esto dicho, los espero para el análisis completo de uno de los disco de Tan Biónica, los más grosos del rock nacional.

 Nuevamente llegó el día de San Valentín o día de los enamorados. Desconozco la relación entre el amor y San Valentín, al ser este un personaje bíblico supongo que habrá sido asesinado de manera violenta como todo personaje de ese libro. No voy a gastar más caracteres analizando el nombre de esta festividad, más bien voy a hablar de amor.

Desde la ciencia y la filosofía se ha tratado de descifrar el misterio del amor. Algunos toman como referencia la teoría libidinal freudiana como punto de partida para explicar el amor, mientras que otros se inclinan más por estudiar las reacciones químicas participantes en el proceso. Ambos están equivocados solo estarían describiendo el proceso del enamoramiento ni no el amor en sí, una entidad un tanto abstracta. Sin embargo todos sabemos que los científicos no tienen emociones, mejor busquemos la respuesta por el lado del arte.

Dentro de la música tenemos el caso de Haddaway, un grupo que saltó a la fama al intentar explicar el amor en su canción, What is love?

What is love?
Baby dont’ hurt me
Don’t hurt me
no more…

¿Qué es el amor?
Nena no me lastimes,
No me lastimes
No más…

Tal vez no explique muy bien qué es el amor, más bien parece un tipo siendo interrogado de  manera violenta. Noten que al preguntar ¿Qué es el amor? responde: “no me lastimes”. Existen varias canciones sobre el mismo tópico, en general son un porquería como esta y poco representan al amor, salvo algunas excepciones como: Deftones, The Cure, The Smiths y otros artistas quienes son capaces de evidenciar la presencia de sentimientos en el interior de sus cuerpos.

Además de la música tenemos otra gran fuente de conocimiento: las películas. Hay varias sobre el tema pero la gran mayoría son historias estúpidas con finales obvios, aunque hay algunas valen la pena como: 500 Day’s of Summer, la única en la cual desde el inicio sabemos que la pareja nunca va a funcionar y aun así nos mantiene atrapados.
El elemento más interesante de la película es el hecho de la protagonista (Zooey Deschanel), nunca se enamora del otro personaje principal (Joseph Gordon-Levitt) y aun así ella no es presentada como una zorra manipuladora cuya única intención es torturar a la figura masculina de la historia hasta que otra mujer lo salve. En definitiva es una mujer que se enamora de otra persona. Por eso si Haddaway me preguntara qué es el amor le recomendaría 500 Day’s of Summer. Posiblemente el amor sea una cosa extraña sin explicación y por eso merezca su día. En realidad no, el día de los enamorados fue inventado por los creadores de ositos con corazones ¿Quién en su sano juicio compraría un oso de esos?

¿Alguna vez se preguntaron que parecía si Amy Winehouse volviese en forma de zombie pero con el talento de Nicki Minaj? El resultado sería Kreyshawn, una artista de hip hop o el estilo que ella haga. Honestamente no sé mucho sobre ella, solo sé que lanzó un disco llamado Somethin ‘Bout Krey, podría haber buscado algo de información en google pero cometí el error de escuchar su obra maestra, por eso voy a compartir con ustedes lo poco que averigüé sobre esta chica solo juzgándola por su único disco oficial Somethin’ bout kreay :

Blasé - Blasé

Primero, no sé que significa Blasé - Blasé y no me importa. Segundo su voz es irritante, es como si hubiese nacido sin las frecuencias bajas en su voz. Alvin y las ardillas con Barry White al lado de ella.
Por lo que pude entender la canción es una especie de declaración de guerra, Kreyshaw le dice al mundo “Aquí estoy y vengo a gritarles en un tono irritante”
En una parte dice “I Can’t hear the hatter” (no puedo escuchar a los detractores), debe ser porque ella está ocupada gritando.

Ch00k Ch00k Tare.

Debería haberme filmado mientras escribía esto para subir a Youtube mis reacciones, nunca me sentí tan ofendido con un disco. ¿Qué carajo es ch00k ch00k? parece uno de esos códigos de Windows cuando algún programa deja de funcionar y nos pregunta si queremos más información, por lo menos ahora sabemos que esos números son canciones de Kreayshawn.
Para esta canción tenemos a alguien llamado Chippy que debe ser alguien conocido tal vez. No sé porque pero algo me dice que están tratando de imitar a Die Antwoord, solo que ellos suenan molestos intencionalmente y sus canciones tiene un propósito.


Gucci Gucci

La canción empìeza con tres personas gritando:

“And we stunting like
Gucci Gucci, Louis Louis, Fendi Fendi, Prada
Basic bitches wear that shit so I don’t even bother”

Esto lo digo completamente en serio, es doloroso para los oídos, nunca en mi vida de escuchar disco horribles escuché algo que realmente lastimara los oídos. Intenten escuchar esto con el volumen alto, no tiene graves, es como escuchar a un persona amputarse una pierna con una sierra eléctrica mientras nombra marcas de ropa.

Summertime.

Me gusta que esta canción no tenga la intensidad de sus predecesoras y se pueda escuchar algo además de agudo. Sin los ruidos molestos se puede notar los problemas de Kreayshaw con el idioma inglés.

Hey summertime, I really think I’m feelin’ you

(Hey, tiempodeverano, Realmente creo que te estoy sintiendo.)

¿Sabrá que el verano es una entidad carente de vida? Esta es la parte donde lamentablemente deberán escuchar el tema para apreciar la gravedad del asunto. Literalmente le habla al verano como si fuese una persona.

Left Ey3

 Me gusta la base que usaron para esta canción, si alguien como Datsik reemplazara su voz por un bajo loco sería genial, pero por qué detenerme en la música cuando puedo analizar la letra:

 Now I’m going to make a scene like Amy Winehouse!
Amy Winehouse
Amy Winehouse
‘Bout to burn this motherfucker down like Amy Winehouse!

 Por si no entendieron dice que va a hacer una escena como Amy Winehouse. Si bien son parecidas físicamente hay algo que las diferencia, ese algo se llama talento, nada más para decir.

Like it or Love It

 Básicamente está diciendo que bien podemos amarla u odiarla, es pocos palabras, está nos dice “Hago música horrible pero tengo fans”. Invito a cualquier fan de Kreayshawn por qué, como escuchan esto regularmente sin perder parte parcialmente su audición o terminar afectados psicológicamente.

K234ys0nixz

¿K234ys0nixz? En serio ¿K234ys0nixz?, parece un mensaje de error enviado por una impresora, tal vez signifique algo pero cuál sería mi motivación para averiguarlo.
Me olvidé de analizar la letra de casi todas las canciones, uso esta como ejemplo. Básicamente dice cuanto se divierte siendo joven, yendo de fiesta en fiesta y como no escucha a sus detractores. Mi pregunta en este punto del disco es ¿Quién la odia? Si bien es molesta y toda la cosa ¿Alguien más aparte de mi la escucha? Me gustaría hablar con alguien capaz de odiarla, habiendo tantas personas para odiar eligieron a Kreayshawm, ni siquiera yo sé por qué la estoy escuchando.

Bff (Bestfriend)

La canción empieza diciendo si quiero ser su amigo. Kreayshawn tocaste mi corazón, finalmente entiendo todo. Ella necesita amigos, tanto tiempo luchando con sus detractores (a quienes afirma no escuchar pero ya les dedicó 5 canciones) la fue dejando sola.
Sorpresivamente me gustó esta canción, habla de la amistad y nombra cosas básicas como ir al cine o juntarse a tomar alcohol.

Twerkin!!!

Para esta canción contamos con la presencia de Diplo, un artista poco conocido por su carrera solista aunque colaboró con artistas como Skrillex y Datsik. Agradezco a Dios por la existencia de Diplo, el vino a poner lo que este disco necesitaba: bajos, solo eso bajos.

Breakfast.

Es una canción sobre el desayuno, como indica el título, nadie necesita un Blogger para entender esta canción. También tiene un invitado al cual desconozco y si nombre es difícil de tipear y como es un completo desconocido supongo que sus vidas no se van a ver afectadas si omito su nombre.

Go Hard (Lalala)

Vieron el “lalala” escondido entre paréntesis, bueno, eso es lo que va a repetir de manera irritante durante toda la canción. Eso no es lo peor, se les queda pegado igual que Call me Maybe.  Escuchen la canción, no puedo decir más, solo vayan a Youtube y búsquenla o entren a este link.
No puedo decir que es una canción horrible porque me dio horas de diversión, es una de las cosas más estúpidas que escuché pero al menos me hizo reír, no se puede decir lo mismo de gente como Justin Bieber.

The Ruler.

La canción empieza con un tipo diciendo “Bass” como si hubiese un bajo para escuchar en la canción, el único bajo se lo llevó Diplo hace dos canciones.

Luv Haus.

 Kreayshawn es la única persona capaz de desafinar con Autotune ¡felicitaciones por este nuevo logro! Vaya manera de terminar un disco.

Algunas palabras finales, podrían llegar a comprar este disco para reírse o molestar gente. Las letras son estúpidas y la música es irritante. Supongo que intenta ser una artista bizarra y contestataria pero no lo logra, si quieren escuchar algo bizarro y divertido pueden escuchar Die Antwoord.  Sin embargo las canciones donde no aparenta ser una especie de pandillera son divertidas.